Il regista Nemes porta a Venezia una dura storia familiare

GDI ha intervistato durante il Festival del Cinema di Venezia, il regista ungherese premio Oscar László Nemes che ha presentato in concorso il film Orphan.

La storia parte da un ragazzino, cresciuto dalla madre con il racconto di un padre morto idealizzato, si trova, dopo la rivolta ungherese del 1956, di fronte a un uomo brutale che sostiene di essere il suo vero padre.

La maturita’ e determinazione del bambino come anche il finale colpiscono per intensita’. Ennesimo buon film dello straordinario regista magiaro, opera di grande significato e potenza che presenta magistralmente un periodo storico molto duro.  

D: Perché questa storia adesso?

R: Penso che sia una storia umana universale e che, attraverso questa storia molto personale, emergano i traumi del XX secolo e l'esperienza umana della ricerca dei genitori e dell'avere una famiglia frammentata, dell'essere soli al mondo, sono molte cose. Sono attratto da questo tipo di materiale; mi ha perseguitato per molto tempo perché è la storia di mio padre. Penso che la civiltà umana sia divisa, tra il bene e il male, tra chi vive in sicurezza e chi è in costante pericolo, e penso anche che Internet non abbia aiutato, viviamo in tempi difficili.

D: Come sei riuscito a trovare e formare un cosi` bravo attore per interpretare il bambino?

R: Abbiamo visto migliaia e migliaia di video e audizioni, quando ho visto per la prima volta il video fatto in casa del nostro attore principale, con il suo cagnolino che gli correva intorno, raccontava la storia con tale forza che ho capito che aveva carisma, personalità, come un “mini adulto”. Ha dentro di sé tante difficoltà, una vita difficile, ne è consapevole ed è molto intelligente: quando abbiamo letto la sceneggiatura per la prima volta non ho dato loro le ultime 10 pagine, non volevo che sapessero il finale fino a quel momento. Questo ragazzo aveva domande su ogni battuta del dialogo: “Qual è la mia motivazione?”, “Perché lo faccio?”... voleva sapere tutto. Era molto meticoloso, impressionante, è stato un dono lavorare con lui. Ha portato la sua intensità e la sua rabbia nel sistema.

D: Cosa ti attrae di questa soggettività radicale nella narrazione?

R: Adoro i film che sono POV ( punto di vista ), e la maggior parte dei film che amo ne hanno uno solo da mostrare. Come i film hollywoodiani degli anni '70. Penso che questo porti alla verità dell'individuo, in quanto regista non si danno al pubblico troppe informazioni a cui il protagonista non ha accesso. Sono più toccato da ciò che è accessibile all'essere umano, non siamo ovunque. So che Internet ci dà l'impressione di essere ovunque, ma non è così. Penso che raccontare una storia a livello umano sia un modo per riconnettersi con l'esperienza umana. Volevo realizzare grandi film fantasy, ma anche in quelli avrei utilizzato un unico punto di vista.

D: In che modo hai trasformato la storia che conoscevi in questo film, attraverso quali oggetti e documenti, e come?

R: Avevo un background familiare comune a cui potevo attingere, anche se mia nonna non è più viva. Sempre meno persone conoscono questa storia di prima mano; mio padre è uno di loro. Ho parlato molto con lui e ho integrato elementi che volevo aggiungere alla storia; fondendo la realtà del passato e la mia immaginazione, è diventato un mix basato sulla storia di mio padre. Ho fatto ricerche sul periodo, ho guardato molte fotografie, ho cercato di capire cosa c'era là fuori, ascoltando il mio cuore e ricreando ciò che avevo dentro. Tutto sommato, è un film molto soggettivo.

D: Quale messaggio politico vuoi mandare?

R: Non sono mai direttamente politico, mi interessa di più il sottotesto. Quello che faccio è dare abbastanza libertà al pubblico, in modo che possa diventare un'esperienza personale. A volte c'è la tendenza a renderlo più evidente, e il pubblico non riesce a entrare nel film, ma dando un po' di libertà posso renderlo più personale per il pubblico. La domanda per me è cosa sia umano e antiumano, è questo che voglio sottolineare come regista, la questione morale, dove tracciare il confine. Come le cose siano intrecciate tra il bene e il male in noi stessi, questo è molto importante per me.

D: Perché questo mezzo è così essenziale per te, soprattutto quando si tratta di storie e traumi?

R: Amo i film e amo il cinema. Il digitale va bene, ma il 35 è la strada giusta. Sono davvero appassionato di cinema: penso che le parti chimiche diano un tocco di disciplina all'intero processo. Ti obbligano a prendere delle decisioni. Il cinema è prendere decisioni: se lo dimentichi, finisci per ottenere qualcos'altro. La metà del tempo, quando sei nel 35, sei al buio, con te stesso e la tua coscienza. Non c'è soddisfazione immediata, è un processo.

D: Come hai lavorato sui colori?

R: Con il mio direttore della fotografia abbiamo lavorato su immagini di riferimento degli anni '50 che mi piacevano molto, la loro fotografia è a un livello molto umano, ti dà profondità ed è quello che vuoi. Volevamo intrecciare la durezza e la morbidezza. È come l'infanzia, quindi volevo avere entrambe le cose: l'estrema difficoltà della sua vita e un po' della sua magia, della sua immaginazione. Volevo avere bianchi e neri reali, senza toni gialli e blu digitali, volevamo creare qualcosa con colori primari forti. Eravamo davvero appassionati di questo processo.

D: Com'è stato per te immergerti nel trauma attraverso la prospettiva di un bambino?

R: Io stesso sono un bambino traumatizzato, quindi posso capirlo. Ero solo, mi sentivo abbandonato, crescere negli anni ‘80 in Ungheria era difficile. Volevo trasmettere un po’ di quel mondo personale sullo schermo.

D: Puoi parlarci del punto di partenza in termini di creazione di questo film?

R: Tornando alla genesi, penso che sia importante non dimenticare i traumi, perché sono lì, se non li guardi in faccia potresti finire per creare un falso sé, una falsa narrazione. Guardare l'oscurità, guardarsi allo specchio è l'unico modo per andare avanti.

D: È importante avere un modo più comico di vedere la vita?

R: C'è della commedia nel mio film. Ci sono momenti di leggerezza e di stupidità umana di cui si può ridere, ma tutte le commedie hanno un nucleo tragico.